Siete
notas sobre “Rompan Todo” y la omisión al sonido de acá
1. Advertimos
de entrada que no se trata de una defensa chovinista, sino más bien de trazar
una orientación con respecto a una cierta manera de concebir, de hacer y
producir música popular que ha tenido lugar en Chile desde los años sesenta
hasta la fecha. Es un modo de concebir la canción que es exterior a lo que la
serie emitida por Netflix “Rompan todo. La historia del rock en América Latina”
denomina “rock latino”. El sonido de acá es un cruce de estilos, géneros
y sonoridades heterogéneas que recién en el siglo xxi tomarían una forma más
clara, precisamente contraponiéndose al rock como relato hegemónico de la
música popular. Aunque con esto, reconocemos la necesidad de una distancia
histórica para poder determinar de manera crítica y teórica, aquel sonido o
forma de producir canciones, que pareciera – al ver y digerir la serie – estar
aún en un lugar menor o secundario. Por ello, estas notas ensayan dicha aproximación
con el pretexto de comentar el documental en cuestión a partir de lo que está
en falta.
1. La
música chilena realizada entre fines de los 50 hasta el golpe de estado fue
prácticamente ignorada. No sólo Los Mac’s o Los Vidrios Quebrados, que son bandas
muy similares a las mostradas en el documental, sino que el no haberse detenido
mínimamente en el significado real de La nueva ola (aunque ni siquiera en Chile
nos hemos detenido en ella, no mucho más allá de la visión que heredamos de la
dictadura y la tele). Más importante quizás es la nula mención al fenómeno que
representaron Los Ángeles Negros, no solo en Chile sino que en Latinoamérica,
en esa muy original fusión entre el bolero por una parte y por otra un cierto
sonido soul o funk que detentaba la base rítmica de la banda. Pero, sobre todo,
la omisión de La nueva canción chilena (que no se restringe a Víctor Jara) que
tenía harto de rock, tanto en espíritu como musicalmente, pero también por ser inspiración
para las bandas de rock de principios de los 70 como Congreso, Los Blops o Los
Jaivas y así también para todo cantautor que se precie de tal a nivel local. En
otros términos, su poca atención podría ser expresada como la omisión a la
singularidad misma de la canción popular hecha en Chile. Ahora bien, Los Jaivas
aparecen no solo referidos, sino que también son una fuente, pero más que nada
porque no hay cómo saltárselos, aunque sean bastante infravalorados, poniéndose
por encima la banda de Santaolalla, Arco Iris, siendo que los Jaivas hacían lo
mismo y más en su fusión del rock con elementos de la música latinoamericana.
Agregaría el dato no menor que Los Jaivas en algún momento pasaron por banda
argentina más que chilena, a mediados de los 70’.
2. El
inicio del rock en Chile está fechado – como tradicionalmente se ha hecho – con
el lanzamiento de La voz de los 80’ en 1984 y así en “Rompan todo” se relata.
Sin embargo, se obvia cierto material de archivo en donde el mismo Jorge
González señala que Los Prisioneros nunca se consideraron (al menos él) una
banda de rock, sino que de pop, más cercanos a revivir el formato de canción
realizado en los 60 por La nueva ola. No obstante, se ha tendido a enunciar que
González trató de escribir letras que podrían estar emparentadas con La nueva
canción chilena. Algo habría en ese singular ensamble, de hecho, alguna vez ante
la pregunta de cómo se sintió ser famoso o reconocido tan joven, González señaló
que fue una cosa media extraña, un mixto entre ser Víctor Jara y el Pollo
Fuentes al mismo tiempo (demás está decir que ninguno de los dos exponentes es “rockero”).
3. Esos
matices son ignorados por “Rompan todo”, porque básicamente es un documental
realizado en Estados Unidos y México, con una visión del rock que viene desde
ahí y que viene desde los años 70’. La lectura chilena sería muy distinta,
porque el rock solo acontece en los años 90’, con ya la globalización y el
imperio que detenta MTV latino, fenómeno que el documental visibiliza
mayormente. En otros términos, algo así como el rock latinoamericano sería un
efecto del mercado y de la globalización, aunque eso no desvalore a las bandas
latinas de la época, como Café Tacuba, Tijuana No, Aterciopelados, Los Tres o
Babasónicos. Resta decir que la música, las canciones y los discos perviven sin
dicha mediación.
4. Existe
una diferencia en la aproximación al fenómeno de la música popular, porque
tradicionalmente se ha dicho que el rock tiene una relación comprobada con los acontecimientos
sociales y políticos. De ahí que se tienda a elevar a los compositores o
estrellas de rock como portavoces o representantes de generaciones y hechos
políticos determinados. Creemos que es un relato insuficiente, porque si
pensamos en el mayor referente chileno de esa mirada, como es Jorge González,
en boca de él mismo el relato se desarma. No hay una idea preconcebida de armar
un relato para que las masas se identifiquen, es más bien, a un nivel
inconsciente – molecular digamos – que las canciones atraviesan la experiencia
de los cuerpos y que de cierta manera sostienen un efecto empírico en el campo
social. Pero no es el contenido de las letras es más bien el efecto en bloque
que producen las canciones, pero la hipótesis que habría que defender, es que
aquello no es una cualidad inherente del rock sino que de la música popular en
su integridad.
5. Una
omisión bastante grande ocurre en el apartado en que entran al rock las
máquinas, a principio del 2000, en un momento en que la industria discográfica
cae y asciende la difusión independiente a través de internet. Ahí Chile juega
un papel fundamental, porque es también el origen de lo que se llamará “el
nuevo pop chileno”. La ausencia de alguien como Javiera Mena para relatar cómo
el uso del computador se convirtió en aquel tiempo en una nueva “guitarra de
palo” para componer, es a lo menos lamentable. No solo por una perspectiva de
género (deficiente quizás en “Rompan Todo”, pero deficiente porque el relato
del rock ha sido y será siempre masculino), sino que más bien porque ella
encarna esa transición y es también una compositora que crea junto a Daniel
Riveros (Gepe) un modo de hacer canciones que no solo impactó en Chile, sino
que en gran parte de Hispanoamérica en los últimos quince años. Pero claro,
quizás ya no se trata de rock.
6. Del
mismo modo, a partir de la fuente que ofrece Jorge González, se pudo agregar lo
significativo del disco Corazones. Que, por cierto, el mismo Santaolalla
produce. Quizás hubiese sido un exceso de protagonismo. Sin embargo, era la
mejor manera de entrar en una serie de discos, bandas, pero, en definitiva, de un
sonido, que a mi modo de ver sintetiza qué significaría hacer canción en este
rincón del mundo. La generación del pop chileno que tuvo su mayor alcance en el
2010 proviene de la herencia del sonido de Corazones y de cierto ethos
musical que formó el mismo González en los años 80’, es decir, de que el rock
no es algo de acá, aunque eso no signifique ponernos a tocar
instrumentos autóctonos, sino que más bien, habría que buscar un sonido de acá
a partir de las referencias musicales que inconscientemente escuchamos en
nuestras casas, a través de nuestros abuelos o padres, pero también en los
almacenes, en la calle y en las fiestas. Es decir, eso que el crítico Carl
Wilson llamó “la música de mierda”. González ya en 1983 hacía interpretaciones
de Adamo o de Albert Hammond, qué decir del “Yo no te pido la luna”
interpretado por Javiera Mena en su primer disco, o el ícono Juan Gabriel que
Ases Falsos elevó en la portada de su primer disco, o también cómo, de a poco,
esa música que llamábamos peyorativamente de “dueñas de casa”, de “señoras” o
en definitiva, de mujeres, a toda una generación nacida entre los 80’ y
principios de los 90’, le parece muy fácil de adoptar como suya. De ahí también
a Mon Laferte, que en el documental pareciera ser solo una fuente de opinión
pero que nunca se llega a ella misma, como alguien que encarna esa ruptura de
un paradigma muy del siglo xx, entre el rock (música seria, en relación con
procesos sociales) y el pop (música de mierda, vacía y sin contenido político).
Mon Laferte encarna precisamente esa ruptura, por ser ícono pop pero también
activista política. No obstante, no sería solo un fenómeno local, sino que
conosureño, en el sentido de que a principios del 2000, bandas de rock como
Babasónicos adoptan un sonido que viene de la canción romántica latinoamericana,
pero también proyectos como Miranda!, que en pleno auge del rock chabón o
barrial en la Argentina, situaron su música en un lugar no hegemónico, con
varias referencias a esa “música de mierda” que el rock siempre apartó. Qué
decir de bandas actuales como Bandalos Chinos que parecieran convivir entre esa
lectura de la canción romántica y la influencia del llamado “rock nacional”.
7. Por
último, habría que celebrar que Santaolalla haya producido el archivo para
elevarlo a él al sitial que merece. Quizás es triste que lo tuviera que hacer
el mismo, pero es un músico y productor que tradicionalmente fue ignorado (por
los mismos rockeros que homenajeó el documental), y es alguien que de cierta
manera siempre se salió del molde del “rock nacional”. Ahí está su trabajo con
Jorge González (fue el primero en decirle a él que era un buen músico, ningún
chileno se lo había dicho), con Café Tacuba (de seguro, la banda no hubiese
sido la misma sin él, sin la seguridad que les brindó), con Julieta Venegas
(que es más pop que rock, digamos, aunque su pasado por Tijuana No la sitúa en
otro lugar), solo por nombrar a los más destacados.
¨ * Texto publicado en El Agente. Crítica de Cine
